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앨런 캐프로

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목차

1. 개요

앨런 캐프로는 "해프닝"으로 알려진 미국의 예술가이자 미술 이론가이다. 그는 컬럼비아 대학교에서 미술사를, 존 케이지에게 작곡을 배우며, 우연성을 활용한 작곡 이론과 종합 예술에 영향을 받았다. 1953년부터 대학에서 강의를 시작하여 플럭서스 그룹 형성에 기여했으며, 캘리포니아 대학교 샌디에이고에서 교수로 재직했다. 캐프로는 에세이 "잭슨 폴록의 유산"에서 "해프닝"이라는 용어를 처음 사용하며, 일상적인 재료를 활용한 구체 미술을 주장했다. 해프닝은 관객과 공연자의 상호 작용을 강조하며 예술과 삶의 경계를 모호하게 만들려는 시도였으며, 환경 예술과 설치 미술에도 영향을 미쳤다. 그는 에세이 "예술이 될 수 없는 예술"에서 "비예술" 개념을 제시했으며, 그의 저술은 퍼포먼스 아트 분야에 큰 영향을 미쳤다.

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앨런 캐프로 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1973년의 앨런 카프로
1973년의 카프로
본명(알 수 없음)
출생일1927년 8월 23일
출생지미국 뉴저지주 애틀랜틱시티
사망일2006년 4월 5일
사망지미국 캘리포니아주 엔시니타스
국적미국
분야설치 미술
회화
사조플럭서스
주요 작품해프닝
웹사이트공식 웹사이트
교육
학교컬럼비아 대학교
뉴욕 대학교

2. 학문적 경력

캐프로는 1953년 러트거스 대학교에서 강의를 시작했다. 그곳에서 로버트 와츠, 제프리 헨드릭스, 로이 리히텐슈타인 교수, 조지 브레히트, 조지 시걸, 루카스 사마라스, 로버트 휘트먼과 함께 플럭서스 그룹의 한 분파가 될 그룹을 만드는 데 기여했다.[3] 1961년까지 러트거스 대학교, 1960년부터 1961년까지 프랫 인스티튜트, 1961년부터 1966년까지 뉴욕 주립 대학교 스토니브룩, 1966년부터 1974년까지 캘리포니아 예술 학교에서 강의했다. 이후 1974년부터 1993년까지 캘리포니아 대학교 샌디에이고에서 전임 교수로 재직했다.[5][6]

2. 1. 학업

캐프로는 만성 질환으로 인해 뉴욕에서 애리조나주 투손으로 이사를 가야 했다.[1] 그는 투손에서 기숙 학교에 다니며 초등 교육을 받았다. 이후 뉴욕의 음악미술고등학교에 다녔으며, 동료 학생으로는 예술가 울프 칸, 레이첼 로젠탈, 그리고 미래의 뉴욕 갤러리스트 버지니아 자브리스키가 있었다.

뉴욕 대학교 학부생 시절, 캐프로는 존 듀이의 저서 ''경험으로서의 예술''에 영향을 받았다.[2] 그는 대학원에서 예술과 철학을 공부했고, 컬럼비아 대학교에서 미술사로 MA 학위를 받았다. 1947년 한스 호프만 미술 학교에서 수학하며 액션 페인팅 스타일을 시작했는데, 이는 이후 수년간 그의 해프닝 작품에 큰 영향을 미쳤다. 그는 존 케이지의 뉴 스쿨 수업에서 작곡을 공부하고, 한스 호프만에게 그림을, 메이어 샤피로에게 미술사를 배웠다.

2. 2. 교수 경력

캐프로는 1953년 러트거스 대학교에서 강의를 시작했다. 그곳에서 로버트 와츠, 제프리 헨드릭스, 로이 리히텐슈타인 교수, 조지 브레히트, 조지 시걸, 루카스 사마라스, 로버트 휘트먼과 함께 플럭서스 그룹의 한 분파가 될 그룹을 만드는 데 기여했다.[3] 그는 1961년까지 러트거스 대학교, 1960년부터 1961년까지 프랫 인스티튜트, 1961년부터 1966년까지 뉴욕 주립 대학교 스토니브룩, 1966년부터 1974년까지 캘리포니아 예술 학교에서 강의했다. 이후 1974년부터 1993년까지 캘리포니아 대학교 샌디에이고에서 전임 교수로 재직했다.[5][6]

3. 해프닝 (Happenings)

1958년 앨런 캐프로는 〈잭슨 폴록의 유산〉이라는 에세이를 발표하면서 '해프닝'이라는 용어를 처음 사용했다.[7] 그는 이 에세이에서 "페인트, 의자, 음식, 전기 및 네온 조명, 연기, 물, 낡은 양말, 개, 영화"와 같은 일상적인 재료를 사용한 "구체 미술"을 주장하며, 장인 정신과 영속성을 잊고 소모성 재료를 예술에 사용해야 한다고 주장했다.[8]

캐프로는 해프닝을 "참가자들이 놀이를 위해 참여하는 게임, 모험, 일련의 활동"이자 "간단히 말해 일어나는 사건"이라고 정의했다.[2] 해프닝은 처음에는 관객과 공연자가 단서를 따라 예술을 경험하도록 하는 엄격하게 구성된 행사였으나, 점차 덜 대본화되고 더 많은 일상 활동을 통합했다.[9]

1962년 9월 스몰린 갤러리에서 열린 ''Words'' 공연으로 상당한 주목을 받았다. 그의 해프닝은 거의 기록되지 않아 일회성으로 진행되었다.[13]

1971년 아스펜 국제 디자인 컨퍼런스에서 캐프로는 "Tag"라는 해프닝을 아스펜 하이랜드 스키 리프트에서 연출했다. 다섯 대의 비디오 카메라와 모니터를 사용하여 스키 리프트를 타는 사람들을 기록하고, 그들이 타는 모습을 모니터로 다시 보게 했다.[14]

1973년 앨런 캐프로는 야니스 쿠넬리스, 볼프 보스텔, 로베르 피유, 마리오 메르츠와 함께 베를린에서 ''ADA - Aktionen der Avantgarde''에 출연했다.[15]

2014년 This Is Not A Theatre Company는 바르셀로나의 푼다시오 안토니 타피에스에서 열린 "앨런 캐프로. 다른 방식" 전시회의 일환으로 앨런 캐프로의 두 해프닝 ''칫솔질''과 ''포즈''를 뉴욕시에서 재연했다.

캐프로의 작품은 예술과 삶을 통합하려는 시도로, 해프닝을 통해 삶, 예술, 예술가, 관객 사이의 경계를 모호하게 만들었다. 그는 "해프닝"을 통해 예술가가 신체 움직임, 녹음된 소리, 쓰고 말하는 텍스트, 심지어 냄새까지 실험할 수 있게 했다.

3. 1. 특징

1958년 캐프로는 〈잭슨 폴록의 유산〉이라는 에세이를 발표하면서 '해프닝'이라는 용어를 처음 사용했다.[7] 그는 장인 정신과 영속성을 잊고 소모성 재료를 예술에 사용해야 한다고 주장했다.[8]

캐프로는 해프닝을 "참가자들이 놀이를 위해 참여하는 게임, 모험, 일련의 활동"이라고 정의했다.[2] 또한, 해프닝은 "간단히 말해 일어나는 사건"이며, 시작, 중간, 끝과 같은 구조가 없고, 예술가와 관람객 사이의 구별이나 위계도 없다고 설명했다. 각 해프닝은 복제할 수 없는 독특한 경험을 만들어 관람객의 반응이 예술 작품을 결정했다. 이는 참여적이고 쌍방향적이며, 예술가와 관찰자 사이의 "제4의 벽"을 허무는 것을 목표로 했다. 따라서 관찰자는 작품을 "읽는" 것뿐만 아니라 상호 작용하여 예술의 일부가 된다.

''6부로 구성된 18개의 해프닝''은 관객이 함께 움직이며 장난감 악기를 연주하는 밴드, 오렌지를 짜는 여자, 그림을 그리는 화가와 같은 요소를 경험하도록 했다.[2] 캐프로의 작품은 점차 덜 대본화되었고 더 많은 일상 활동을 통합했다.[9] 그가 만든 또 다른 해프닝의 예로는, 사람들이 많은 양의 얼음 조각이 있는 방으로 옮겨져 그것을 만지게 하여 녹게 만들고 작품을 완성하는 것이 있었다.

캐프로우의 가장 유명한 해프닝은 1961년부터 1962년경에 시작되었으며, 그는 학생이나 친구들을 특정 장소로 데려가 작은 행동을 했다. 그는 1962년 9월 스몰린 갤러리에서 열린 그의 ''Words'' 공연으로 상당한 주목을 받았다. 그의 해프닝은 거의 기록되지 않았고, 이는 해프닝을 일회성으로 만들었다.[13]

캐프로우의 작품은 예술과 삶을 통합하려는 시도이다. 해프닝을 통해 삶, 예술, 예술가, 관객 사이의 경계가 모호해진다. "해프닝"은 예술가가 신체 움직임, 녹음된 소리, 쓰고 말하는 텍스트, 심지어 냄새까지 실험할 수 있게 한다. 그의 초기 "해프닝" 중 하나는 1961년에 형식으로 개발된 "뉴욕 장면에서의 해프닝"이었다. 캐프로는 이를 시각 예술적 기원 때문에 극장의 "신봉자"에게 거부당하더라도 기존의 극단적인 조각이라고 불렀다. 이러한 "해프닝"은 골판지나 캔과 같은 일회용 요소를 사용하여 캐프로우가 매번 예술 작품을 변경하는 데 더 저렴하게 만들었다.

클래스 올덴버그와 같은 많은 유명한 예술가들이 그를 자신의 작품에 영향을 미치는 사람으로 꼽는다.

캐프로의 활동 목적은 "생활과 예술의 통합"이었으며, 일상성, 즉흥성, 연극성을 도입한 표현 활동을 모색했다. 그는 "해프닝"을 통해 예술과 일상생활의 분리 상태를 깨고, 예술가와 관객 사이의 경계, 연기하는 자와 보는 자 사이의 구분을 모호하게 만들고자 했다.

3. 2. 주요 작품

1958년, 캐프로는 "잭슨 폴록의 유산"이라는 에세이를 발표했다.[7] 그는 이 에세이에서 "페인트, 의자, 음식, 전기 및 네온 조명, 연기, 물, 낡은 양말, 개, 영화"와 같은 일상적인 재료로 만들어진 "구체 미술"을 요구했다. 여기서 그는 처음으로 "해프닝"이라는 용어를 사용하며 장인 정신과 영속성을 잊고 소모성 재료를 예술에 사용해야 한다고 주장했다.[8]

캐프로는 해프닝을 "참가자들이 놀이를 위해 참여하는 게임, 모험, 일련의 활동"이자 "간단히 말해 일어나는 사건"이라고 정의했다. "해프닝"은 처음에는 관객과 공연자가 단서를 따라 예술을 경험하도록 하는 엄격하게 구성된 행사로 시작되었다.[2] 시작, 중간, 끝과 같은 구조가 없으며, 예술가와 관람객 사이의 구별이나 위계도 없었다. 각 해프닝은 복제할 수 없는 독특한 경험을 만들어 관람객의 반응이 예술 작품을 결정했다. 이는 참여적이고 쌍방향적이며, 예술가와 관찰자 사이의 "제4의 벽"을 허무는 것을 목표로 했다. 따라서 관찰자는 작품을 "읽는" 것뿐만 아니라 상호 작용하여 예술의 일부가 된다.

그러한 작품 중 하나인 ''6부로 구성된 18개의 해프닝''은 관객이 함께 움직이며 장난감 악기를 연주하는 밴드, 오렌지를 짜는 여자, 그림을 그리는 화가와 같은 요소를 경험하도록 했다.[2] 그의 작품은 진화하여 덜 대본화되었고 더 많은 일상 활동을 통합했다.[9] 또 다른 해프닝의 예로는, 사람들이 많은 양의 얼음 조각이 있는 방으로 데려와 그것을 만지게 하여 녹게 만들고 작품을 완성하는 것이 있었다.

캐프로의 가장 유명한 해프닝은 1961년부터 1962년경에 시작되었으며, 그는 학생이나 친구들을 특정 장소로 데려가 작은 행동을 했다. 1962년 9월 스몰린 갤러리에서 열린 ''Words'' 공연으로 상당한 주목을 받았다. 그의 해프닝의 의례적 성격은 개리 보팅이 묘사한 ''Eat''(1964)에서 잘 나타난다. 이 공연은 바닥이 울퉁불퉁하고 웅덩이와 개울이 교차하는 동굴에서 진행되었다. 보팅은 "방문객들은 낡은 문을 통해 들어가 어둡고 좁은 복도를 걸어 계단을 올라 일반 전구로 조명된 플랫폼으로 올라갔다. 여자들은 각 방문객에게 적포도주와 백포도주를 제공했다. 사과와 바나나 묶음이 천장에 매달려 있었고, 한 여자는 핫플레이트에서 바나나 튀김을 튀겼다. 사다리를 타고 올라가야만 들어갈 수 있는 작은 동굴에서는 한 공연자가 삶은 감자를 썰고 소금을 뿌려 나누어 주었다. 통나무집에서는 빵과 잼을 제공했다. 빵은 통나무 사이에 채워졌다. 방문객들은 한 시간 동안 마음대로 먹고 마실 수 있었다. 방문객과 공연자의 상호 작용 외에는 대화가 없었다."라고 설명했다.[10] ''Eat''은 모든 감각에 호소했고, 인간의 심장 박동 속도로 설정된 메트로놈의 반복적인 똑딱거림이 의례적인 드럼 연주를 시뮬레이션하여 추가되었다. 또한 "방문객들은 신체적으로 (걷고, 먹고, 마시는 등의 요구로), 정신적으로 (지시를 따라야 하는 요구로), 감정적으로 (동굴 내부의 어둠과 낯설음으로), 신비적으로 (오두막 벽 너머 또는 내부 동굴의 '미스터리'로) 참여했다."[11] 캐프로는 관객의 창의적인 반응을 유도하기 위한 기술을 개발하여 관객이 아이디어와 사건 사이의 자체적인 연결을 만들도록 장려했다. 그는 "그리고 작품 자체, 행동, 참여의 종류는 장소가 예술적인 것과 마찬가지로 동떨어져 있었다."라고 말했다.[12] 그는 해프닝을 거의 기록하지 않았고, 이는 해프닝을 일회성으로 만들었다.[13]

1971년 아스펜 국제 디자인 컨퍼런스에서 캐프로는 컨퍼런스 주제 중 하나인 "기술 혁명"에 초점을 맞춘 "Tag"라는 해프닝을 아스펜 하이랜드 스키 리프트에서 연출했다. 다섯 대의 비디오 카메라와 모니터를 사용하여 스키 리프트를 타는 사람들을 기록하고, 그들이 스키 리프트를 타는 모습을 모니터로 다시 보게 했다.[14]

캐프로의 작품은 예술과 삶을 통합하려는 시도이다. 해프닝을 통해 삶, 예술, 예술가, 관객 사이의 경계가 모호해진다. "해프닝"은 예술가가 신체 움직임, 녹음된 소리, 쓰고 말하는 텍스트, 심지어 냄새까지 실험할 수 있게 한다. 초기 "해프닝" 중 하나는 1961년에 형식으로 개발된 "뉴욕 장면에서의 해프닝"이었다. 캐프로는 이를 시각 예술적 기원 때문에 극장의 "신봉자"에게 거부당하더라도 기존의 극단적인 조각이라고 불렀다. 이러한 "해프닝"은 골판지나 캔과 같은 일회용 요소를 사용하여 캐프로가 매번 예술 작품을 변경하는 데 더 저렴하게 만들었다. 이러한 요소가 분해되는 순간, 그는 더 많은 일회용 재료를 모아 또 다른 즉흥적인 걸작을 제작할 수 있었다. 그는 로프트, 상점 및 지하실에서의 프레젠테이션이 관객과 연극 사이의 장벽을 파괴하고 "예술과 환경 간의 유기적 연결을 보여줌으로써" 연극의 개념을 넓힌다고 지적한다. 그의 작품의 재현이 있었는데, 예를 들어 1967년 오리지널 "FLUIDS" 해프닝에 대한 오마주인 "Overflow"가 있다.

1973년 앨런 캐프로는 야니스 쿠넬리스, 볼프 보스텔, 로베르 피유, 마리오 메르츠와 함께 베를린에서 ''ADA - Aktionen der Avantgarde''에 출연했다.[15]

2014년 This Is Not A Theatre Company는 바르셀로나의 푼다시오 안토니 타피에스에서 열린 "앨런 캐프로. 다른 방식" 전시회의 일환으로 앨런 캐프로의 두 해프닝을 뉴욕시에서 재연했다. ''칫솔질'' ("친구들과 개인적으로 공연"), ''포즈'' ("도시를 가로질러 의자를 들고 다니기. 여기저기 앉아서 사진을 찍다. 그 자리에 픽스를 남겨두다. 계속하다").

4. 작품 및 사상

앨런 캐프로는 잭슨 폴록의 영향을 받아 예술과 삶의 경계를 허무는 다양한 시도를 했다. 1958년 에세이 〈잭슨 폴록의 유산〉을 발표하며 '해프닝'이라는 용어를 처음 사용했다.[7] 그는 일상적인 재료를 사용한 "구체 미술"을 추구하며, 예술의 영속성보다는 소모성을 강조했다.[8]

캐프로는 해프닝을 "참가자들이 놀이를 위해 참여하는 게임, 모험, 일련의 활동"[2]이자 "간단히 말해 일어나는 사건"이라고 정의했다. 해프닝은 정해진 구조나 예술가와 관객 사이의 구분이 없는 독특한 경험을 제공하며, 관객의 반응이 작품을 결정하는 쌍방향적인 예술 형태였다. 관찰자는 작품을 "읽는" 것뿐만 아니라 상호 작용하여 예술의 일부가 된다.

''6부로 구성된 18개의 해프닝''은 관객이 장난감 악기 연주, 오렌지 짜기, 그림 그리기 등의 요소를 경험하게 했다.[2] 또 다른 해프닝에서는 사람들이 얼음 조각을 만져 녹게 함으로써 작품을 완성하기도 했다.

1962년 9월 스몰린 갤러리에서 열린 ''Words'' 공연은 캐프로에게 큰 주목을 받게 했다. 그의 해프닝 중 하나인 ''Eat''(1964)은 동굴에서 진행되었는데, 방문객들은 포도주, 사과, 바나나 등을 제공받고, 삶은 감자를 나눠 먹거나 빵과 잼을 먹는 등 다양한 경험을 했다.[10] 이는 모든 감각을 자극하고, 참여자들의 신체적, 정신적, 감정적 참여를 유도했다.[11]

1971년 아스펜 국제 디자인 컨퍼런스에서 캐프로는 스키 리프트를 타는 사람들을 비디오 카메라로 기록하고 모니터로 다시 보게 하는 해프닝 "Tag"를 연출했다.[14]

클래스 올덴버그와 같은 많은 예술가들이 캐프로에게 영향을 받았다고 언급한다.

4. 1. 비예술 (Un-art)

캐프로는 "생활과 예술의 통합"을 목표로, 일상성, 즉흥성, 연극성을 도입한 표현 활동을 모색했다. 그는 일반인이나 관객을 끌어들여 거리에 갑자기 대량의 쓰레기나 이물질을 출현시키는 "해프닝"을 통해 예술과 일상생활의 분리 상태를 깨고, 예술가와 관객 사이의 경계선, 즉 연기하는 자와 보는 자 사이의 구분을 모호하게 만들고자 했다. 또한 해프닝을 통해 연기자와 관객의 관계뿐만 아니라, 연기자의 신체를 둘러싼 장소나 공간 등의 "'''환경'''", 거리에 놓는 물체나 연기자가 해프닝에서 사용하는 도구인 "'''장치'''"를 의식하기 시작하면서, 환경 예술이나 설치 미술의 선구자이자 이후 퍼포먼스 아트의 방식에 영향을 주었다.

그는 에세이 『예술이 될 수 없는 예술』에서 제창한 "un-art"(비예술) 개념으로도 알려져 있다.

4. 2. 환경 예술과 설치 미술

1958년, 캐프로는 〈잭슨 폴록의 유산〉이라는 에세이를 발표했다.[7] 그는 이 에세이에서 "페인트, 의자, 음식, 전기 및 네온 조명, 연기, 물, 낡은 양말, 개, 영화"와 같은 일상적인 재료로 만들어진 "구체 미술"을 요구했다. 그는 장인 정신과 영속성을 잊고 소모성 재료를 예술에 사용해야 한다고 주장했다.[8]

캐프로는 관객의 창의적인 반응을 유도하기 위한 기술을 개발하여 관객이 아이디어와 사건 사이의 자체적인 연결을 만들도록 장려했다. 그는 "그리고 작품 자체, 행동, 참여의 종류는 장소가 예술적인 것과 마찬가지로 동떨어져 있었다."라고 하였다.[12] 그는 해프닝을 거의 기록하지 않았는데, 이는 해프닝을 일회성으로 만들었다.[13]

캐프로의 작품은 예술과 삶을 통합하려는 시도였다. 해프닝을 통해 삶, 예술, 예술가, 관객 사이의 경계가 모호해진다. "해프닝"은 예술가가 신체 움직임, 녹음된 소리, 쓰고 말하는 텍스트, 심지어 냄새까지 실험할 수 있게 한다.

캐프로의 활동 목적은 "생활과 예술의 통합"이었으며, 일상성, 즉흥성, 연극성을 도입한 표현 활동을 모색했다. 그는 일반인이나 관객을 끌어들여, 거리에 갑자기 대량의 쓰레기나 이물질을 출현시키는 "해프닝"을 통해 예술과 일상생활의 분리 상태를 깨고, 예술가와 관객 사이의 경계선, 연기하는 자와 보는 자 사이의 구분을 모호하게 만들고자 했다. 또한 해프닝을 계속하면서, 연기자와 관객의 관계뿐만 아니라, 연기자의 신체를 둘러싼 장소나 공간 등의 "'''환경'''", 거리에 놓는 물체나 연기자가 해프닝에서 사용하는 도구인 "'''장치'''"를 의식하기 시작하면서, 환경 예술이나 설치 미술의 선구자이기도 하며, 이후의 퍼포먼스 아트의 방식에 영향을 미치고 있다.

그는 에세이 〈예술이 될 수 없는 예술〉에서 제창한 "un-art"(비=예술)의 아이디어로도 알려져 있다.

5. 저술

''어셈블라주, 환경 그리고 해프닝''(1966)은 사진과 비평적 에세이를 통해 같은 생각을 가진 예술가들의 작품을 소개했으며, 이는 퍼포먼스 아트 분야의 표준 텍스트가 되었다. 캐프로의 ''예술과 삶의 모호함에 대한 에세이''(1993)는 40여 년에 걸쳐 쓰인 글들을 모은 것으로, 오늘날 예술 실천에 대한 그의 이론을 새로운 세대의 예술가와 비평가들에게 널리 알렸다.

6. 평가

2013년, ''컴플렉스''의 데일 아이징거는 앨런 캐프로의 《마당》(1961)을 가장 위대한 퍼포먼스 아트 작품 목록에서 6위로 선정하며 "그의 첫 해프닝은 압도적이고 종종 유쾌한 방식으로 관객을 참여시켰다. 《마당》은 아마도 이러한 초기 작품 중 가장 중요한 작품일 것이다."라고 평했다.[17]

참조

[1] 웹사이트 Allan Kaprow https://www.theartst[...] 2022-08-03
[2] 뉴스 Allan Kaprow, Creator of Artistic 'Happenings,' Dies at 78 https://www.nytimes.[...] 2006-04-10
[3] 웹사이트 Rutgers and the Avant-Garde http://ur.rutgers.ed[...] Rutgers Focus 2008-05-05
[4] 웹사이트 Allan Kaprow - Artist, Art - Allan Kaprow http://www.askart.co[...] 2010-05-04
[5] 뉴스 Allan Kaprow, 79; Artist's 'Happenings' Broke New Ground in Expression https://www.latimes.[...] 2015-09-14
[6] 웹사이트 UCSD - VisArts - http://visarts.ucsd.[...] 2011-01-11
[7] 웹사이트 The Legacy of Jackson Pollock http://www.artnews.c[...] 2018-11-23
[8] 웹사이트 " Fluxus & Happening -- Allan Kaprow | Chronology" http://members.chell[...] 2010-05-04
[9] 서적 The Theatre of Protest in America Harden House
[10] 문서 Botting, "Happenings",15
[11] 문서 Botting, Happenings, p. 15
[12] 웹사이트 Allan Kaprow http://www.jca-onlin[...] Journal of Contemporary Art, Inc. 2008-04-28
[13] 뉴스 ART IN REVIEW; Allan Kaprow and Robert Watts -- 'Experiments in the Everyday' https://query.nytime[...] 2008-04-29
[14] 간행물 I can't talk to you if you say that: An ideological collision at the International Design Conference at Aspen, 1970 2009
[15] 문서 ADA - Aktionen der Avantgarde http://www.medienkun[...]
[16] 웹사이트 INVENTORY OF THE ALLAN KAPROW PAPERS, 1940-1997 http://www.oac.cdlib[...] 2010-05-05
[17] 웹사이트 The 25 Best Performance Art Pieces of All Time https://www.complex.[...] 2021-02-28


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